12 geriausių Claude’o Monet paveikslų

Klodas Monė, gyvosios gamtos žinovas ir neįtikėtinai populiarios tapybos mokyklos įkūrėjas, daugelio kritikų laikomas savo epochos simboliu. Kas galėjo pagalvoti, kad šis mažas karikatūristas vėliau padarys didelę įtaką viso pasaulio dailininkams, sukurdamas galybę puikių paveikslų, pasižyminčių unikaliu, neįtikėtinai ryškiu spalvų koloritu, dėl kurio tuo metu, kai jis buvo nežinomas, sklido gandai apie jo beprotybę. Pateikiame keletą geriausių didžiojo meistro paveikslų, įskaitant žinomiausius prancūzų tapytojo impresionisto darbus.

Didžiojo impresionisto pėdsakai: 12 geriausių prancūzų genijaus Claude’o Monet šedevrų

Nominavo	vieta	Darbas	įvertinimas
Geriausių Claude’o Monet paveikslų apžvalga	1	„San Giorgio Maggiore sutemus”, 1908-1912 m	5.0
2	„Moteris žalia suknele (Kamilė)”, 1866 m	4.9
3	„pasivaikščiojimas. Moteris su skėčiu, 1875 m	4.9
4	Serija „Šieno kupetos”, 1890-1891 m	4.8
5	Ruano katedros serija, 1892-1893 m	4.7
6	Serija „Vandens lelijos”, 1896-1926 m	4.7
7	Serija „St. Lazare stotis”, 1872-1877 m	4.6
8	„Moterys sode”, 1866 m	4.5
9	„Įspūdis. „The Rising Sun”, 1872 m	4.5
10	„Pusryčiai ant žolės”, 1866 m	4.5
11	„Parlamento rūmai saulėlydyje”, 1900-1901 m	4.5
12	„Vaterlo tiltas debesuotu oru”, 1904 m	4.4

„San Giorgio Maggiore saulėlydis, 1908-1912 m

Įvertinimas: 5.0

Vienas garsiausių ir reikšmingiausių didžiojo impresionisto paveikslų. Paveiksle vyrauja oranžinė spalva, su kuria dailininkas siejo Italijos miesto nuosmukį. Spalvingame fone išryškėja Venecijos katedra ir vanduo, žinoma, vanduo.

Pats meistras pastebėjo, kad sutemų miesto paveikslas buvo nutapytas jam neįprastu būdu: drobės idėja buvo tokia įspūdingai graži ir užburianti, kad dailininkas dirbo karštligiškai, tiesiog žingsniuodamas ant kulnų saulei, judančiai link saulėlydžio, ir jos vandens spindesiui. Monet savo darbuose naudojo ryškius spalvų kontrastus, kurie suteikė paveikslui daugiau gylio ir ryškumo.

Kadangi idėją įkvėpė beveik akimirka, Monet naudojo trumpų potėpių ir greito drobės užpildymo pasta techniką. Akimirksniu užfiksuokite spalvų momentą ir tiksliai atkurkite šviesos žaismą. Pagrindinis autoriaus darbų tikslas buvo ne perteikti žiūrovui moralinę žinutę ar gilią prasmę, bet sukurti jausminį įspūdį, pažadinti malonius jausmus ir įspūdį, ne veltui Monė buvo vienas ryškiausių impresionizmo atstovų.

„Moteris žalia suknele” (Kamilė), 1866 m

Įvertinimas: 4.9

Šiame portrete vaizduojama didžiojo impresionisto Camille’io Doncier žmona tuo metu, kai ji dar nebuvo nei jo žmona, nei net nuotaka. Klodas ir Kamilė ką tik susipažino, ir po vieno iš tokių susitikimų Monė nusprendė drobėje įamžinti stiprų jausmą, kilusį tarp šių dviejų jaunų žmonių. Filme „Moteris žalia suknele” dailininkui pavyko užfiksuoti jaudinančią akimirką, kai mergina, stovėdama beveik prie išėjimo, atsisuko.

Monė negaišo laiko fono piešiniui: jis sutelkė visą savo meistriškumą į pačią Kamilę, kruopščiai piešdamas jos veidą, kaklo išlinkimą, išraišką, net menką rankos judesį ir su meile piešdamas jos suknelę ir paltą. Šiame paveiksle negalima nepastebėti oro ar ko nors nežemiško: dailininkas stengėsi parodyti mergaitę kaip tikrą, gyvą. Monet nereikėjo meistro idealo: suknelė atrodo sunki ir, atrodo, vilkosi grindimis, o tai rodo, kad ji pasiūta iš sunkaus audinio.

Monė tapė tai, ką matė ir mylėjo visa širdimi (nepaisant trumpos pažinties, dailininkas aistringai ir karštai įsimylėjo mergaitę), be pagražinimų ir komplikacijų, kurios tik įžeistų Kamilę. Paveikslas pasirodė neįtikėtinai gyvas ir gilus. Galima pajusti jauno įsimylėjėlio aistrą ir drebulį.

„Pasivaikščiojimas. Moteris su skėčiu”, 1875 m

Įvertinimas: 4.9

Jis laikomas ciklo, kurio pirmasis ir svarbiausias paveikslas buvo nutapytas 1875 m., pradžia. Jo pirmoji žmona Kamilė buvo modelis. Kūrinys laikomas svarbiausiu 1870-ųjų kūriniu. Drobėje Camille su sūnumi vaizduojama Combe ir Genovier laukinėje gamtoje.

Madam Monė stovi pusiau pasisukusi, tarsi staiga aptikusi žiūrovą… Jos suknelė plevėsuoja vėjyje. Figūra yra šiek tiek pasislinkusi į dešinę, tačiau tai kompensuoja pakreiptas skėtis, kurio kupole atsispindi ryški pievos žaluma. Kiek toliau, matomas tik juosmens aukštyje, stovi Monė sūnus ir įdėmiai žvelgia į žiūrovą.

Nutapytas iš natūros, tikriausiai vienu prisėdimu. Kuriant drobę tapytojo kūryboje pamažu ima dominuoti kruopštus personažų kūrimas, pakeičiantis peizažus. Vis dėlto didysis impresionistas niekada nepamiršta perduoti žiūrovui neperprantamos saulės šviesos, dėl kurios paveikslas atrodo tarsi gyvas.

Ypatingu akcentu galima laikyti moters personažo padėtį drobėje ir žemą horizonto liniją, kuri suteikia paveikslui monumentalumo – tai gana neįprasta prancūzų impresionistui.

Serija „Šieno kupetos”, 1890-1891 m

Įvertinimas: 4.8

Monė tikėjo, kad peizažą reikia tapyti visomis spalvomis, formomis ir aplinkos nuotaika, ir „tai padės sukurti asmeninį, naivų situacijos, į kurią žiūrite, matymą”. Monė nebuvo pirmasis tapytojas, bandęs nutapyti kaimo peizažą, kurio pagrindinė tema – šieno kupeta. Van Gogas, Pissarro, Gogenas ir kiti didieji dailininkai jau buvo nutapę paveikslų šia tema.

Tačiau Monė išsiskyrė savo kūryboje panaudojęs du naujoviškus elementus: šviesos viziją ir paveikslų seriją. Dėka kruopštaus dailininko darbo ir talento dabar galime matyti to paties motyvo įvairovę, priklausomai nuo paros laiko ir kintančios šviesos.

Kurdamas šieno kupetų paveikslų seriją, Monet, jo paties žodžiais tariant, bandė parodyti laiko tėkmę. Jis skundėsi, kad vasarą, kai tapė, saulė taip greitai nusileisdavo, kad dailininkas nespėdavo paskui ją ir nuolat ieškodavo trumpalaikio šviesos pasikeitimo.

1888 m. Monė netoli Živerė sukūrė keletą medžio krūvų studijų. Jis grįžta prie tos pačios temos po metų, kai prasideda derliaus nuėmimas (vasaros pjūtis ir derliaus nuėmimas). Jis sunkiai dirba kelis mėnesius, piešdamas vasaros saulės spindulių atspindžiais nusėtus laukus, rudenį – ryškiai rausvus ir rausvus, o žiemą – tankiai padengtus sniegu.

1890 m. vasara, kai meistras buvo pasinėręs į „Olimpijos” bylą, norėdamas atpirkti paveikslą iš Manė našlės ir perduoti jį Luvrui, buvo debesuota, dažnai lijo. Dėl šios priežasties dailininkui teko keisti studijoje pradėtas drobes, fantazuojant apie tai, koks spalvingas ir neįprastas gali būti dangus. Pirmą kartą „Durand-Ruel” parodoje eksponuoti 15 serijos paveikslų sulaukė didelės sėkmės ir buvo išparduoti, nepaisant didelės kainos.

Ruano katedros serija, 1892-1893 m

Įvertinimas: 4.7

Dar viena didžiojo impresionisto paveikslų serija, tik šį kartą temos centre – didinga gotikinė Ruano katedra. Monė gyveno netoli katedros ir tapė nuo ankstyvo ryto iki vėlyvo vakaro. Dailininką nepaprastai sužavėjo šviesos žaismas ant šalto akmens ir jis stengėsi šį nuostabų kontrastą perkelti į drobę.

Visas Monet dėmesys buvo sutelktas ne į visą pastatą, o tik į tam tikrą jo dalį – 2 bokštus: Martino ir Albano. Katedros elementai dailininkui impresionistui atrodė tarsi portalas, o kiekvienas paveikslas vaizdavo tą pastato pusę. Tęsdamas darbą, dailininkas palaipsniui tepė vis daugiau spalvų ant drobės, siekdamas išryškinti tam tikras detales ir sukurti savo šviesą.

Dažnai tai būdavo greitas darbas, tačiau pats Monė dėl to skundėsi, sakydamas, kad tai apsunkina jo užduotį ir trukdo jam perkelti savo viziją į drobę. Kartais dailininkas sapnuodavo košmarus, kuriuose katedra krisdavo ant jo arba klastingai keisdavo spalvą.

Prancūzų impresionistų šedevrus visuomenė pamatė tik 1895 m., ir nors kritikai nebuvo vieningi, daugelis menininkų (tarp jų ir užsieniečiai) pakeitė savo požiūrį į pasaulį. Beveik iš karto 8 šios serijos paveikslai buvo parduoti įvairiems kolekcininkams. Likusius paveikslus, nors ir palyginti brangius (apie 15 000 frankų), nupirko dar keli impresionistų kolekcininkai.

„Vandens lelijų” serija, 1896-1926 m

Įvertinimas: 4.7

Didžiulį ciklą sudaro beveik 250 paveikslų, kurių kiekvienas nutapytas aliejiniais dažais. Kai kuriuos paveikslus galima vadinti monumentaliais ne tik dėl įspūdingo dydžio, bet ir dėl puikiai perteikto spalvų suvokimo. Darbo patogumui menininkas pasistatė naują studiją su specialiu apšvietimu.

Pažymėtina, kad Monė buvo taip pakerėtas ir sužavėtas rezultato, kad nenorėjo išsiskirti nė su vienu „Vandens lelijų” serijos paveikslu, kurtu beveik 30 metų įtempto darbo. Muziejuose ir privačiose kolekcijose šios drobės pradėtos kaupti tik po impresionisto mirties.

Monė didžiavosi, kad galėjo nusipirkti nuosavą dvarą Giverni, kuriame sukūrė prabangų gėlyną. Šioje serijoje vaizduojamos vandens lelijos, augančios paties dailininko sode. Beje, daug paveikslų jis nutapė sirgdamas katarakta. Tačiau tai galbūt padėjo jam nutolti nuo tradicinio spalvos suvokimo ir sukurti žavią spalvų ir šešėlių sąveiką.

„Vandens lelijų” serijos paveikslų yra daugelyje pasaulio muziejų: Paryžiaus, Niujorko, Velso, Oregono ir kituose. „Christie’s” apibūdina Monė „Vandens lelijas” kaip vieną labiausiai pripažintų ir reikšmingiausių XX a. kūrinių, padariusių didžiulę įtaką viso pasaulio impresionistų ir modernistų tapytojams.

Serija „St Lazare stotis”, 1872-1877 m

Įvertinimas: 4.6

1872 m. Klodas Monė (Claude Monet) atvyko į St. Lazare, sakydamas, kad ketina sukurti visą seriją paveikslų, kurių pagrindinė tema bus stotis. Dailininkas manė, kad stoties pastatas yra vienas įspūdingiausių tuo metu, ir norėjo perteikti savo jausmus apie technologinės pažangos epochą, nukrypdamas nuo kraštovaizdžio temos.

Kol Monė tapė paveikslus iš gyvenimo, stoties personalas stengėsi, kad Saint-Lazare būtų kuo įspūdingesnis. Stotis buvo nuolat valoma, net lokomotyvai buvo dažomi, o mašinistai stengėsi įleisti kuo daugiau garo. Prabangi panorama tiesiog užvaldė prancūzų genijų, todėl jis nutapė 12 paveikslų, kuriuose stotis vaizduojama ne tik iš skirtingų kampų, bet ir skirtingu oru bei skirtingu paros metu. Ši serija buvo pirmoji dailininko kūryboje: netrukus pasirodys „Šviesa”, „Stogi” ir „Vandens lelijos”.

Pirmą kartą 1877 m. eksponuota serija „St. Lazare stotis” sulaukė didžiulės sėkmės. Garsus prancūzų rašytojas Emile’is Zola vėliau sakė, kad būtent Monė drobėse užfiksuota atmosfera įkvėpė jį parašyti prancūzų geležinkeliui skirtą romaną „Žmogus žvėris”.

„Moterys sode, 1866 m

Įvertinimas: 4.5

Šiuolaikiniam žiūrovui paveikslas atrodė labai neįprastas. Monė norėjo aiškiai parodyti, kad tapys tik taip, kaip jam diktuos įkvėpimas ir instinktas, neatsižvelgdamas į akademines tradicijas. Prancūzų peizažistas Gustavas Kurbė (Gustave Courbet), kuris tuo metu dažnai lankydavosi pas Monė, buvo sužavėtas ne tik dailininko vizija, bet ir drobės masteliu. Dėl milžiniškų matmenų (255×205 cm) paveikslas buvo neįtikėtinai nepatogus: pradėdamas tapyti viršutinę paveikslo dalį dailininkas turėjo gervės pagalba nuleisti drobę į specialią duobę.

Impresionistas siekė kuo tiksliau atkurti šešėlių ir šviesos žaismą, išryškindamas smulkiausias objekto detales. Kartu jo personažams buvo suteiktas antraeilis vaidmuo. Pavyzdžiui, ant drobės pavaizduotos moterys atrodo stilizuotos, jų veidų beveik neįmanoma įžiūrėti: viena dama stovi pusiau pasisukusi, kita atsilošusi, trečia slepiasi už gėlių puokštės. Taip tapytojas aiškiai parodo, kad jam svarbiau ne individuali asmenybė, o individo sąveika su išoriniu pasauliu.

Nepaisant akivaizdaus tradiciškumo, paveikslas buvo išties novatoriškas: daugybė pusiau apsisukimų, apkarpyti suknelių kraštai – visa tai akademiniam tapytojui būtų buvę neįmanoma. Paveikslas „Moterys sode” buvo nutapytas sunkiu Monė finansiniu laikotarpiu, todėl darbas vyko sunkiai. Monė ketino šį darbą eksponuoti Paryžiaus salone, vienoje prestižiškiausių Prancūzijos meno mugių, tačiau žiuri atsisakė jį priimti. Tačiau Monė išgarsėjus, paveikslą „Moterys sode” Prancūzijos vyriausybė nupirko už milžinišką 200 000 frankų sumą.

„Įspūdis. Kylanti saulė”, 1872 m

Įvertinimas: 4.5

Kai impresionizmo kūrėjas nutapė paveikslą, jis manė, kad tai dar vienas jo kūrinys, kuris niekada nebus parduotas. Tačiau iš tiesų tai buvo naujos tapybos tendencijos pradžia. 1874 m. kūrinys kartu su kolegų, „dvasios brolių”, darbais buvo pristatytas savarankiškoje parodoje. Tačiau jaunųjų talentų pastangas įvertino ne visi.

Taigi, apsilankęs parodoje, žurnalistas Louis Le Roy parašė kritinį straipsnį „Impresionistų paroda”, kuriame menininkus išvadino pašaipūnais, teigdamas, kad dėl tokių „kūrinių” akademiniai dailininkai išprotėjo, o tuomet dar nežinomiems jaunuoliams suteikė įžeidžiančią „impresionistų” pravardę. Žinoma, tuo metu jis negalėjo numatyti, kad menininkai ilgainiui perims šį pseudonimą, kuris taps bendriniu daiktavardžiu ir taps vienu garsiausių meno judėjimų pasaulyje.

Paveiksle „Įspūdis. Kylanti saulė” Monet, kaip visada, ypatingą dėmesį skyrė spalvų perteikimui, naudodamas mažiausiai tonų, tačiau sukurdamas neįtikėtinai gyvą, tikrovišką peizažą. Pagrindiniai tonai yra melsvi: visa drobė sukuria šalto, šalto ryto įspūdį.

Dailininkui pavyko labai tiksliai perteikti uosto nuotaiką: taip, kaip jį mato vietiniai gyventojai – šiek tiek niūrus, su saulės atspindžiais vandenyje, su dangumi, besileidžiančiu į vandenyną, kuriame neaiškiai galima įžvelgti laivų siluetus.

„Pusryčiai ant žolės”, 1866 m

Įvertinimas: 4.5

Nepakankamai įvertintas tragiško likimo paveikslas, tapęs savo laikmečio simboliu. Darbai prie drobės pradėti 1865 m., įkvėpti liūdnai pagarsėjusio ir šiek tiek lengvabūdiško to paties pavadinimo Eduaro Manė paveikslo. Tačiau, išskyrus identišką pavadinimą ir galbūt miško kraštovaizdį, jie neturi visiškai nieko bendro.

Už drobės sukūrimo slypi išties titaniškos pastangos, nes paveikslas buvo milžiniško dydžio – 400×600 cm. Dirbant su tokia didžiule drobė reikia daug įgūdžių ir gebėjimo pajusti bei teisingai suformuoti kompoziciją, spalvas, personažų išsidėstymą ir t. t.

Dailininkas pradėjo dirbti iš anksto pasirinktoje vietoje Fontainebleau miške. Jis naudojosi savo žmonos Camille ir draugo, kolegos dailininko Frédéric Basil modeliais. Iš pradžių Monet mišką tapė pleneruose, paskui perpiešė personažus savo studijoje ir vėl išėjo su modeliais piešti eskizų iš natūros. Vėliau savo studijoje dailininkas sujungė visus elementus.

Ant drobės vaizduojama vėsi vasaros ar pavasario diena. Tarp tankios ir vešlios medžių lapijos spindi ryškiai mėlynas dangus. Šen bei ten matyti nedideli saulės spinduliai. Peizažo fone grupė vyrų ir moterų ilsisi, vieni kalbasi, kiti sėdi ir valgo, treti išsitiesę ant žolės. Galima pajusti linksmumą, miško gaivą, lengvumą.

Iš pradžių Monė nutapė paveikslą „Pusryčiai ant žolės”, norėdamas jį pristatyti Paryžiaus salone, bet pritrūko laiko, todėl jis nutapė paveikslą „Moteris žaliais drabužiais”, kuris buvo palankiai sutiktas kritikų. Susidūręs su sunkia finansine padėtimi, dailininkas paliko nebaigtą drobę kaip užstatą šeimininkui ir nusprendė nesiimti didelių darbų, kurie suvalgė visus jo pinigus ir sukėlė jam sunkumų.

Tačiau šeimininkas šedevrą laikė nerūpestingai ir dalis drobės tiesiog supuvo nuo ilgo buvimo drėgname rūsyje. Po septynerių metų Monė nupirko drobes ir perpjovė jas į 3 dalis, palikdamas tik 2 (viena buvo visiškai netinkama naudoti). Šiandien kritikai šį paveikslą laiko dailininko debiutu tuometiniame naujame stiliuje, tikru artėjančios meno revoliucijos flagmanu.

„Parlamento pastatas saulėlydyje”, 1900-1901 m

Įvertinimas: 4.5

1900 m. Paulis Durand-Ruelis, nepalaužiamas impresionizmo mecenatas, laukė iš Didžiosios Britanijos sostinės grįžtančio Claude’o Monet. Jis turėjo parsivežti Temzės tilto ir Parlamento vaizdus, kuriuos sukūrė viešnagės Londone metu. Dailininkas parsivežė kūrinį, bet buvo nepatenkintas eskizais, todėl po metų grįžo tobulinti paveikslų, o dar po metų.

Baigtus Londono ciklus Durand-Ruel gavo tik 1904 m., tačiau laukti buvo verta: po savaitės drobė „Parlamento rūmai saulėlydžio metu” buvo parduota už gerus pinigus. Nuo to laiko jis pateko į daugelį privačių kolekcijų Havre, Paryžiuje, Niujorke ir net Japonijoje. 2015 m. drobė parduota už 40 mln. Doleriai.

Tapydamas savo paveikslų seriją Monet apgailestavo dėl Londono orų nepastovumo: „Jie nuolat keičiasi dėl debesų ir stipraus vėjo… tai varo mane iš proto.”. Gamtos būsenos ir nepakartojamos saulės akimirkos viena kitą keičia kvapą gniaužiančiu greičiu, tačiau tai, ką Monet sugebėjo įamžinti savo drobėse, yra neįkainojama. Šis paveikslas ypač žavi neįprastu, net įžūliu efektu – ryškiai raudonu švytėjimu, kuris prasiveržia pro tirštus debesis.

„Vaterlo tiltas debesuotu oru”, 1904 m

Įvertinimas: 4.4

Kitas Monė Londono serijos šedevras taip pat buvo ilgai lauktas parodose. Pavyzdžiui, šį neįtikėtiną Vaterlo tilto vaizdą įsigijo rusų kolekcininkas Michailas Riabušinskis, aistringas tapybos mylėtojas. Kai Rusijos imperijoje įvyko revoliucija, jam buvo 37 metai. Dalį kolekcijos jis paslėpė, dalį perdavė saugoti Tretjakovo galerijai, o paskui emigravo į Didžiąją Britaniją. Paveikslas buvo tikro antikvarinio pasaulio prekiautojo – Vildenšteino – galerijoje. Vėliau paveikslas pakeitė daugybę savininkų, visi jie buvo išskirtinės asmenybės.

Klodas Monė su žmona pirmą kartą apsilankė Didžiosios Britanijos sostinėje pasimatyti su sūnumi ir iš karto žinojo, kad čia sugrįš dar kartą. Didįjį impresionistą sužavėjo miesto spalvos, todėl jis drąsiai ėmėsi tapyti vietinio kraštovaizdžio paveikslus. Jis žavėjosi kai kurių Londono vietų poezija, tačiau oras jį varė iš proto, nes dirbti buvo daug kartų sunkiau, bet kartu ir neįtikėtinai įdomu.

Grįždamas iš Londono Monė parsivežė net aštuonias dėžes drobių (!) ir nė vienas iš jų nebuvo baigtas. Prieš leisdamas parduoti savo drobes, dailininkas kelerius metus jas perdirbinėjo. Tik tada, kai visos drobės buvo baigtos, jas galėjo pamatyti nustebęs žiūrovas, impresionizmo gerbėjai ir kritikai.