15 garsiausių rusų dailininkų paveikslų

Tapyba yra vienas svarbiausių rusų kultūros komponentų. Didingi peizažai, istoriniai įvykiai, žymių asmenybių ir paprastų žmonių portretai, meninės temos – visa tai atsispindi žymių tapytojų darbuose… Daugelis jų dėl savo išskirtinio talento ir darbštumo išgarsėjo ne tik savo tėvynėje, bet ir daugelyje kitų pasaulio šalių. Šioje rinktinėje apžvelgsime penkiolika labiausiai atpažįstamų rusų tapybos meistrų šedevrų.

Garsiausių rusų dailininkų paveikslų apžvalga

Nominacija	vieta	Darbas	įvertinimas
Garsiausių rusų dailininkų paveikslų apžvalga	1	„Riteris kryžkelėje”, Viktoras Vasnecovas	5.0
2	„Kazokai”, Ilja Repinas	4.9
3	„Arklidė”, Karlas Bryullovas	4.9
4	„Sėdintysis demonas”, Michailas Vrubelis	4.8
5	„Kristaus pasirodymas žmonėms”, Aleksandras Ivanovas	4.8
6	„Nelygios santuokos”, Vasilijus Pukirevas	4.7
7	„Gaidžiai atvyko, Aleksejus Savrasovas	4.7
8	„Poilsiaujantys medžiotojai”, Vasilijus Perovas	4.7
9	„Bogatyrs”, Viktoras Vasnecovas	4.7
10	„Mergaitė su persikais”, Valentinas Serovas	4.7
11	Karlo Bryullovo „Paskutinė Pompėjos diena”	4.6
12	„Burlaki prie Volgos”, Ilja Repinas	4.5
13	„Boyarynya Morozova”, Vasilijus Surikovas	4.5
14	„Nežinomasis”, Ivanas Kramskojus	4.5
15	Ivano Šiškino ir Konstantino Savickio „Rytas pušyne”	4.5

„Riteris kryžkelėje”, Viktoras Vasnecovas

Įvertinimas: 5.0

Paveikslas „Riteris kryžkelėje” tapo lūžio tašku Vasnecovo gyvenime, nulėmusiu tolesnę jo kūrybos kryptį. Perovas jau buvo žinomas kaip keliaujantis dailininkas, tačiau šio kūrinio sėkmė paskatino jį ir toliau daug dirbti rusų epinėmis temomis. Šio paveikslo idėja kilo 1870-ųjų pradžioje, kai Vasnecovas, perskaitęs knygos „Ilja Muromecas ir plėšikai” siužetą, sukūrė pirmuosius eskizus. Tačiau galutinė versija, išlikusi iki šių dienų, buvo baigta tik 1882 m. Princas pirmame plane stovi priešais akmenį ir susimąsto. Ant akmens iškaltas užrašas: „Nėra kelio nei praeiviui, nei keliautojui, nei praeiviui. Kita užrašo dalis, kurioje teigiama, kad „eiti į dešinę – ištekėti, eiti į kairę – praturtėti”, yra iš dalies išblukusi, o dalis apaugusi samanomis. Taip paveikslo autorius norėjo pavaizduoti riterio kelio beviltiškumą, nes jo likimą lemia mūšiai mūšio lauke. Bendrą kompozicijos dramatiškumą pabrėžia kito raitelio ir žirgo liekanos ir juodos varnos. Įdomi detalė – raitelis laiko pėstininkų ietį, tai simbolizuoja bogatyro pasiryžimą kovoti pėsčiomis, net ir praradus karinį žirgą.

„Kazokai”, Ilja Repinas

Įvertinimas: 4.9

Ilja Repinas gimė ir augo Charkovo srities Čugujevo mieste ir labai domėjosi Ukrainos istorija, jos papročiais ir ypač kazokais. Taigi, išgirdęs apie istoriko Dmitrijaus Javornickio laišką turkų sultonui iš pasaulietinio priėmimo, jis nusprendė įamžinti šį įvykį drobėje. Pasak legendos, XVII a. pabaigoje, po to, kai Sičo kariuomenė nugalėjo 15 tūkstančių turkų, sultonas Mahmudas IV Zaporožės kazokams nusiuntė laišką, kuriame save pavadino „Dievo vietininku” ir įsakė jiems savanoriškai pasiduoti. Atsakydami į tai, laisvę mylintys kazokai, vadovaujami atamano Ivano Sirko, parašė ironišką laišką, kuriame išdėstė visą savo įžeidžiančių metaforų ir nepadorių žodžių atsargą. Ar didysis turkų „saulės ir mėnulio brolis” gavo šį unikalų epistolinio žanro kūrinį, nežinoma, tačiau jis visam laikui liko istorijoje. Prieš tapydamas paveikslus Repinas išvyko į Ukrainą, kad išsamiai išstudijuotų Zaporožės Sičio kazokų kultūrą. Bendra atmosfera ir detalės, pavyzdžiui, ginklai ir drabužiai, atspindi aprašomo laiko realijas. Dailininkas baigė darbą 1891 m., praėjus 13 metų po pirmojo pieštuko eskizo. Darbą už didelę sumą nupirko imperatorius Aleksandras III, o vėliau jis buvo apdovanotas aukso apdovanojimais parodose Vokietijoje ir Vengrijoje.

Karlo Bryullovo „Arklidė”

Įvertinimas: 4.9

Vienu geriausių rusų romantizmo atstovų pagrįstai laikomas Karlas Bryullovas. Jo sukurtas žirgininkės portretas žavi puikiomis detalėmis, tobulomis proporcijomis, išraiškos ir ramybės deriniu. Nutapytas 1832 m. grafienei Julijai Samoilovai, su kuria Briullovas susipažino Romoje. Jauna moteris ant žirgo ir maža mergaitė rožiniais drabužėliais, skubanti jos pasitikti, yra grafienės mokinės Giovannina ir Amazilia. Dailininkas meistriškai perteikė siužeto dinamiką. Jis sąmoningai pasirinko kontrastingas spalvas, kad pabrėžtų žirgininkę. Užbaigus paveikslą, jis buvo pristatytas parodoje Brera dailės akademijoje Milane. Italai buvo sužavėti rusų dailininko kūryba, o meno kritikai jį priskyrė prie Van Dycko ir Euroenso, sakydami, kad pasaulis dar nematė taip puikiai atlikto raitelio portreto… Paveikslas iki 1893 m. buvo saugomas privačioje grafienės Samoilovos kolekcijoje, kol buvo nupirktas Tretjakovo galerijai.

„Sėdintis demonas”, Michailas Vrubelis

Įvertinimas: 4.8

Sėdinčio liūdnojo demono Vrubelio atvaizdas įkvėpė Lermontovo poemą „Demonas”, kurios jubiliejiniam leidimui dailininkas sukūrė trisdešimt iliustracijų. Pagrindiniame paveikslo personaže dera didžiulė jėga, kurią pabrėžia raumeningas, įsitempęs kūnas, ir psichinė kančia, aiškiai išreikšta jo veide. Sėdėdamas ant kalno viršūnės jaunasis milžinas su ilgesiu žvelgia į besiartinantį saulėlydį gyvajame pasaulyje, kurio dalimi jis pats nėra. Demoną supa įmantrios uolos ir nežemiškos gėlės, labiau panašios į kristalus. Šis negyvas peizažas papildo melancholišką nuotaiką, kurią sukuria veikėjo paveikslas ir jo istorija, žinoma iš eilėraščio. Įdomu, kad demonas apsirengęs mėlynai, o tai tradiciškai siejama su kilmingumu ir dieviškumu. Mėlyni drabužiai dažnai siejami su Jėzumi Kristumi. Ši spalva pasirinkta neatsitiktinai. Ji byloja apie dangišką paveikslo herojaus kilmę. Autorius Demoną laiko ne neigiamu personažu, bet veikiau maištaujančios sielos, nerandančios atsakymo į savo abejones, simboliu. Talentingas tapytojas ir skulptorius Vrubelis kūrinį sukūrė savo mėgstamu briaunuotu stiliumi, todėl jis šiek tiek priminė vitražą. Siekdamas panašaus efekto, dailininkas naudojo plokščius, didelius teptuko potėpius.

„Kristaus pasirodymas žmonėms”, Aleksandras Ivanovas

Įvertinimas: 4.8

Ivanovo susižavėjimas biblinėmis temomis prasidėjo ankstyvuoju jo kūrybos etapu ir visiškai išblėso jam atvykus į Romą. Ten dailininkas studijavo šventuosius tekstus, perpiešė Mikelandželo šedevrus ir vis dažniau galvojo apie savo drobės sukūrimą, kuri turėjo tapti krikščioniškų idėjų perdavimo per meną priemone. Pradėjęs kurti paveikslą 1837 m., jis jį baigė po 20 metų. Ivanovo požiūris savo laiku buvo labai novatoriškas, nes jis atsisakė akademizmo kanonų ir pabrėžė emocinį komponentą. Vienas svarbiausių biblinių įvykių, aprašytas pirmajame Jono evangelijos skyriuje – pirmasis Kristaus pasirodymas tikintiesiems – buvo pasirinktas kaip tema. Jis sukūrė apie šešis šimtus eskizų, kurių dauguma vėliau buvo eksponuojami muziejuose ir privačiose kolekcijose. Kiekvienas ant drobės esantis personažas buvo kruopščiai išstudijuotas, kai kurie turėjo tikrus realistinio atvaizdo prototipus. Pavyzdžiui, išraiškingo žvilgsnio vyras, stovintis pusiau pasisukęs į Mesiją, buvo nukopijuotas nuo Nikolajaus Gogolio. Šalia Jono sėdintis keliautojas su lazda yra pats Ivanovas. Tačiau Jėzaus atvaizdo pagrindas buvo Palermo mozaikos piešiniai, Belvederio Apolono skulptūra ir… moters veidas. Užbaigęs drobę, dailininkas ją laivu nugabeno į Sankt Peterburgą. Įdomu tai, kad dėl savo dydžio (750 x 540 cm) paveikslas netilpo į triumą ir turėjo būti padėtas tiesiai ant denio. Ivanovo nusivylimui, jo gyvenimo darbas nepadarė įspūdžio amžininkams. Jis buvo pernelyg gilus ir novatoriškas tam laikotarpiui. Tačiau po jo mirties paveikslą nupirko pats imperatorius Aleksandras II, kuris vėliau jį padovanojo Rumiancevo muziejui.

Vasilijaus Pukirevo „Nelygi santuoka”

Įvertinimas: 4.7

Per savo gyvenimą Vasilijus Pukirevas sukūrė daug įvairių žanrų paveikslų: peizažų, portretų, istorinių siužetų, tačiau tik vienas kūrinys užtikrino jam visuotinę šlovę. Tai, žinoma, 1862 m. nutapytas paveikslas „Nelygiavertė santuoka”. Jame ryškiai nušviečiama tuo metu aktuali problema, susijusi su jaunų merginų, ištekinamų už nemylimų, bet turtingų ir dažnai vyresnių sužadėtinių, padėtimi. Beveik visos kitos santuokos buvo sudaromos dėl finansinės naudos ar socialinės padėties. Jaunikio atvaizdas smarkiai kontrastuoja su nuotakos portretu: jis atrodo arogantiškas ir šaltakraujis, o ji vos sulaiko save nuo verksmo ar alpimo. Antrame plane vyresni vyrai, akivaizdžiai jaunikio draugai, be ceremonijų apžiūrinėja nuotaką, akivaizdžiai pritardami pelningam „pirkiniui”. Ypatingo dėmesio nusipelno dešinėje pusėje stovintis jaunuolis sukryžiuotomis rankomis, labai panašus į patį Pukirevą. Pasak amžininkų, dailininkas įkvėpimo sėmėsi iš savo asmeninės dramos, o jaunosios nuotakos prototipas buvo Praskovja Varencova, mergina, kurią Pukirevas buvo įsimylėjęs ir kuri ištekėjo už turtingo pagyvenusio pareigūno. Parodoje Sankt Peterburge pristatytas aktualus kūrinys iš karto atkreipė visuomenės dėmesį. Už šį darbą Vasilijui Pukirevui netrukus buvo suteiktas tapybos profesoriaus vardas.

„Gaidžiai įskrido, Aleksejus Savrasovas

Įvertinimas: 4.7

Kaip vienas iš Peredvižnikų dailininkų, Savrasovas savo kūryboje daug dėmesio skyrė Rusijos kraštovaizdžiams. Garsiuosius „Gervių” paveikslus jis nutapė 1871 m., nuvykęs į Molvitino (dabar Susanino) kaimą Kostromos gubernijoje. Senovinė Molvitos Prisikėlimo bažnyčia (pastatyta XVII a.) buvo paveikslėlyje pavaizduotos šventyklos prototipas. Visa tema gana paprasta, tačiau ji puikiai perteikia gamtos būseną, kuri yra prieš artėjantį pavasarį kaime. Paveiksle nėra ryškių spalvų, priešingai, vyrauja pilki ir rudi atspalviai, o paveiksle vyrauja ramybė ir kasdieniškumas. Pagrindiniai veikėjai, žinoma, yra varnėnai, kai kurie iš jų vis dar juda, tačiau kiti jau spėjo rasti savo vietas ant medžių. grįžtančios varnėnai – šilumos pranašai. Atšilimas su stovinčiu vandeniu ir pro debesis prasiskverbianti žydra dangaus spalva byloja apie pavasarišką nuotaiką… Vaizduodamas varnėnus Savrasovas sąmoningai juos šiek tiek padidino, aukodamas realizmą dėl simbolizmo. Tamsūs paukščių siluetai dvelkia mistika; jų atvaizdas neišvengiamai verčia lyginti su prisikėlimu po „negyvo” žiemos miego. Religinė prasmė atsekama ir kitose paveikslo vietose: už medžių yra gluosnis, kurio šakos Rusijoje tradiciškai buvo naudojamos Verbų sekmadienio iškilmėms. Dailininkas naudojo sudėtingą tapybos techniką, derindamas įvairius dažų dengimo būdus, spalvotą geso, glazūrą ir pan. Kolekcininkas ir meno mecenatas Pavelas Tretjakovas nedelsdamas įsigijo baigtą paveikslą ir pristatė jį visuomenei parodoje Vilniuje.

„Poilsiaujantys medžiotojai”, Vasilijus Perovas

Įvertinimas: 4.7

Šį paveikslą Perovas nutapė vėlyvuoju kūrybos laikotarpiu, 1871 m. Tuo metu dailininkas palaipsniui atsisakė vaizduoti atšiaurų valstiečių gyvenimą, pirmenybę teikdamas ne tokiems pesimistiniams siužetams. Ant drobės pavaizduoti trys medžiotojai, kurie ilsisi vidury lauko. Vyriausias iš jų, iš išvaizdos kilmingas vyras, įtemptai pasakojo istoriją, intensyviai gestikuliuodamas, kad būtų įtikinamesnis. Naujokas klausosi įdėmiai, užgniaužęs kvapą. Medžiotojo pasakojimai jį taip sužavėjo, kad jis net pamiršo apie žibalą, kuriuo ketino prisidegti cigaretę. Trečiasis veikėjas, apsirengęs valstiečio drabužiais, klausosi su ironiška šypsena ir akivaizdžiu skepticizmu veide. Akivaizdu, kad tokie pasakojimai jam ne naujiena. Fonas – rudens peizažas, kuris leido dailininkui sutelkti dėmesį į pagrindines kūrinio figūras. Už akivaizdaus situacijos komiškumo slypi gilesnė prasmė: medžiotojai simbolizuoja žmogaus gyvenimo ciklo etapus, pereinančius per entuziastingą jaunystę, patyrusią nepasitikėjimo kupiną brandą ir senatvę, idealizuojančius praeities prisiminimus. Paveikslo autorius, pats užkietėjęs medžiotojas, išsamiai ir tiksliai pavaizdavo medžiojamuosius gyvūnus, ginklus ir įrankius. Tačiau medžioklei su šunimis skirtas ragas, o pačių šunų niekur nesimato, o kartu gulintis miško paukštis ir kiškis glumina. Tai gana paprasta. Perovas šitaip juokauja su išmanančiu žiūrovu, leisdamas suprasti, kad jis pats, kaip senas pasakotojas, neprieštarauja pagražinti tikrovę…

Viktoro Vasnecovo „Bogatyrai”

Įvertinimas: 4.7

XIX a. antrosios pusės rusų tapytojų tarpe folklorinė tematika buvo labai populiari, tačiau daugumai jų tai buvo tik atskiras etapas ieškant meninės krypties, trumpas pomėgis… Kita istorija – Viktoras Vasnecovas, visą gyvenimą paskyręs slavų epų ir legendų iliustravimui ant drobės. Paveikslas „Bogatyrs” laikomas jo kūrybos viršūne, įkūnijančia rusų tautos dvasią, kokią ją įsivaizdavo dailininkas. 1881 m. pradėjęs nuo nedidelių eskizų, jis daug dirbo, rinkdamas mitų, legendų ir tikrų istorinių faktų fragmentus… Rezultatas – tikras šedevras, išgarsinęs Vasnecovą daugeliui ateinančių kartų. Ant drobės pavaizduoti trys raiteliai: centre – Ilja Muromecas, dešinėje – Dobrynia Nikitičius, kairėje – Alioša Popovičius. Visi jų atvaizdai įkūnija Rusijos kūrybinę galią ir teigiamas joje gyvenančių žmonių savybes. Muromecas dvelkia išmintimi ir šimtametėmis tradicijomis, Dobrynia įkūnija gimtojo krašto gynėjo pasididžiavimą, o jaunasis Alioša Popovičius su arfa yra poetiškas ir jautrus visoms grožio apraiškoms. Galingi riteriai stovi tarsi trys kalnai, drąsūs ir grėsmingi. Jie atidžiai stebėjo, ar kur nors nesislapsto klastingas priešas, skriaudžiantis silpnuosius. Virš jų galvų tvyrantis debesuotas dangus ir tolumoje matomi pilki kapinių griaučiai sukuria neišvengiamo pavojaus nuojautą. Nors pats paveikslas yra dailininko fantazija, verta paminėti, kad visi aprangos, ekipuotės ir ginklų elementai pavaizduoti labai autentiškai ir atitinka realius to meto prototipus. Užbaigęs didžiulę drobę (beveik keturių su puse ant trijų metrų), ją savo galerijai nupirko Pavelas Tretjakovas.

„Mergaitė su persikais”, Valentinas Serovas

Įvertinimas: 4.7

Savo garsiausią paveikslą Serovas parašė būdamas 22 metų, šio portreto idėja kilo visai atsitiktinai, kai jis apsilankė Abramceve, Mamontovo dvare. Jis seniai pažinojo meistro dukterį Verą Mamontovą, bet kai pamatė vienuolikmetę, sėdinčią prie stalo su persiku rankoje, staiga suprato, kokį portretą norėjo nutapyti ir kas turėtų būti portretuojamasis. Sunkiausia buvo įtikinti neramų vaiką vasarą pozuoti kasdien, o ne dieną ar dvi, nes paveikslams sukurti prireikė poros mėnesių. Rezultatas – gyvas ir ryškus vaizdas, sukuriantis apgaulingą atsitiktinai pasirinktos kasdienybės akimirkos įspūdį, tarsi mergina būtų tik minutei prisėdusi prie stalo. Nuobodus aplinkos fonas kontrastuoja su rausvu ir rausvu mergaitės veidu, rausvais drabužiais, papuoštais dideliu lanku. Kurdamas portretą Serovas naudojo impresionizmo techniką, kuri leido jam užpildyti paveikslą šviesa, suteikti jam šiltumo ir tikroviškumo. Iš visų kambaryje esančių daiktų ypatingą dėmesį patraukia ant sienos kabantis indas – akivaizdu, kad jį pagamino pats dailininkas, kuris mėgo keramiką. Valentinas Serovas paveikslą padovanojo savo motinai Verai. Vėliau už šį darbą jis buvo apdovanotas Maskvos meno mylėtojų draugijos premija.

Karlo Bryullovo „Paskutinė Pompėjos diena”

Įvertinimas: 4.6

Baigęs studijas Dailės akademijoje, jaunasis Bryullovas nusprendžia apsigyventi Italijoje ir studijuoti klasikinį senovės Romos meną. Tuo metu jis dažnai susidurdavo su Italijos meno elito ir aristokratijos ignoravimu. Kai menininkas pamatė archeologinius senovinio Pompėjos miesto, kurį sunaikino Vezuvijaus išsiveržimas, kasinėjimus, jis suprato, kad tai yra jo šansas sukurti didingą meno kūrinį. Briullovas savo darbą pradėjo nuo medžiagos rinkimo ir daug eskizų: daug vaikščiojo senovinėmis gatvėmis, žiūrėjo į namų griuvėsius, šaltoje lavoje uždarytų žmonių palaikus. Skaičiuojama, kad Pompėjos gatvėse žuvo apie du tūkstančiai žmonių. Po penkerių metų šešių ir trijų metrų dydžio drobė buvo baigta. Vaizduojama scena atitinka romantizmo stilių, nepaisant situacijos siaubo, joje nėra chaoso ir minios žmonių. Žmones galima apytiksliai suskirstyti į grupes, kurių kiekviena patiria savo tragediją pasaulinės katastrofos akivaizdoje. Pagrindinė kompozicijos figūra – moteris ir vaikas, gulintys ant grindinio, jie simbolizuoja antikinio pasaulio žlugimą ir naujos kultūros pradžią. Paveikslas atnešė Briuslovui platų populiarumą Europoje, o namuose jis gavo „didžiojo” pravardę. Puškinas, Gogolis, Lermontovas ir Nikolajus I pripažino jo kūrinį šedevru, o Nikolajus I liepė drobę eksponuoti Ermitaže.

„Burlaki prie Volgos”, Ilja Repinas

Įvertinimas: 4.5

Pirmą kartą Ilja Repinas plaukiojančius laivus pamatė 1869 m. Nevos upėje, kai dar mokėsi Dailės akademijoje. Sužavėtas dailininkas kurį laiką svarstė idėją nutapyti drobę šia tema. Galiausiai jis išvyko prie Volgos, kur pradėjo tapyti eskizais, vaizduojančiais kontrastą tarp samdomų darbininkų, traukiančių baržas, ir elegantiškai apsirengusių žmonių, vaikštinėjančių Volgos pakrante. Repinas taip pat susipažino su valtininkais, juos stebėjo, su kai kuriais bendravo per šventes. Pamažu jis permąstė savo pirminę idėją ir nusprendė vietoj socialinės neteisybės sutelkti dėmesį į konkrečius žmones ir jų charakterių įvairovę. Kiekvienas iš vienuolikos sunkiasvorę krovininę baržą traukiančių vyrų savaip išreiškia savo reakciją į šį įtemptą ir akivaizdžiai menkai apmokamą darbą. Kai kurie iš jų piktai niurzga dėl neteisingo likimo, kiti yra filosofiškai ramūs, o vienas iš jų net rūko pypkę. Plūdės vadovauja senas, patyręs amatininkas, kurio prototipu buvo išskleistas kunigas Kaninas, naujas Repino pažįstamas. Visiška priešingybė tvirtam ir liūdnai išblyškusiam neformaliam lyderiui – jaunas šviesiaplaukis vyras. Jis nekantrus ir dar nežino, kaip elgtis su diržais. Tolumoje vilkikas matomas kaip technikos pažangos simbolis, jis turėtų išlaisvinti žmones nuo sunkaus darbo, tačiau kažkodėl juo nesinaudojama, tikriausiai valtininkų paslaugos yra daug pigesnės. Po 1873 m. parodos Sankt Peterburge paveikslas sulaukė tiek džiugių, tiek neigiamų atsiliepimų. Kūrybiniuose sluoksniuose tai buvo pagrindinis postūmis pradėti realizmo epochą.

„Boyarynya Morozova”, Vasilijus Surikovas

Įvertinimas: 4.5

Kilęs iš Sibiro, Surikovas buvo susipažinęs su senaisiais tikėjimais apskritai, kaip ir su „Pasakojimu apie Bojariną Morozovą”. Bojarina, aukštesniosios Rusijos aristokratijos atstovė ir didelio turto savininkė, aktyviai padėjo seniesiems tikintiesiems, taip pasipriešindama carui ir patriarchui Nikonui. Dėl to moteris buvo suimta ir įkalinta vienuolyne, kur mirė iš bado. Menininkas pasirinko momentą, kai Morozova buvo vežama apklausai. Pasiekusi Chudovo vienuolyną, ji demonstratyviai parodo senojo tikinčiojo grandininį pirštą su surakinta ranka, taip leisdama miniai suprasti, kad niekada neišsižadės savo įsitikinimų. Pasak Surkovo, supratimas, kaip geriausiai sukurti kompoziciją, jam atėjo, kai pamatė varną, išskleidusią sparnus baltame sniege. Tapytojas ilgai negalėjo rasti tinkamo pagrindinio veikėjo atvaizdo, kol atsitiktinai kapinėse pamatė pagyvenusį seną tikintįjį labai išblyškusiu veidu. Paveikslas turi simbolinę prasmę: jame vaizduojamas valstybės atpildas už nekrikščioniškus įsitikinimus apskritai, taip pat žmonių požiūris į tai. Prie kelio susirinkusių žmonių veiduose matyti įvairiausios emocijos – nuo siaubo iki pašaipios paniekos. Kūrinys debiutavo keliaujančioje parodoje ir netrukus buvo nupirktas Tretjakovo galerijai.

„Nežinomasis”, Ivanas Kramskojus

Įvertinimas: 4.5

Šis unikalus paveikslas yra visuotinai žinomas, tačiau kartu tai yra ir vienas paslaptingiausių rusų dailininkų kūrinių. Realizmo stiliumi nutapytame paveiksle vaizduojama jauna miesto madistė, važiuojanti su vaikišku vežimėliu Nevskio prospektu Sankt Peterburge. Jos apranga buvo derinys visko, kas XIX a. pabaigoje buvo mados viršūnėje: paltas iš brangių sabalų kailių ir šilko kaspinų, iš tų pačių medžiagų pasiūtas švarko apsiaustas, aksominė beretė, papuošta perlais ir stručio plunksna, o ant rankos – masyvus auksinis apavas. Jos drabužių detalės pavaizduotos labai meistriškai ir kruopščiai. Portretas nutapytas sniegu padengtų gatvių fone, tačiau jos šiek tiek nesufokusuotos, kad neatitrauktų žiūrovo dėmesio nuo modelio. Sprendžiant iš akivaizdžiai turtingos aprangos, dama nepriklausė aukštesniems visuomenės sluoksniams, kurie laikėsi tam tikrų stiliaus taisyklių. Dailininkas niekada neatskleidė jos tapatybės paslapties, nors labiausiai paplitusi versija, kad ji buvusi valstietė, tapusi turtingo Sankt Peterburgo dvarininko Bestuževo žmona. Paveikslas buvo daugelyje privačių kolekcijų, tačiau ilgainiui jis tapo prieinamas daugeliui žiūrovų ir buvo išplatintas po visą šalį reprodukcijų pavidalu.

Ivano Šiškino ir Konstantino Savickio „Rytas pušyne”

Įvertinimas: 4.5

Sunku įsivaizduoti paveikslą, kuris Rusijoje būtų geriau žinomas nei tas, kuriame pušyne pavaizduoti trys besišypsantys jaunikliai, lydimi meškų motinos. Šiškinas buvo menininkas, puikiai jautęs laukinės gamtos grožį, niekas kitas negalėjo taip harmoningai ir tiksliai pavaizduoti nesugadintos tankaus miško dykumos. Menininkas turėjo daug geologijos ir botanikos žinių, todėl galėjo sukurti šedevrą, kuris, atrodo, gyvena savo gyvenimą. Neįtikėtinai detaliai nupieštas nukritusio medžio žievės reljefas, šalia jo augantys krūmai ir pasvirusios pušys. Tolumoje esančią gilią raguvą gaubia tirštas rūkas, suteikiantis paslaptingumo vietovei, kurioje beveik nėra žmonių gyvenviečių. Borchas, iš kurio dailininkas nutapė peizažą, yra Gorodomlio saloje Tverės srityje. Įdomu tai, kad ne Šiškinas nupiešė nerangias ir juokingas meškas. Juos nutapė Savickis, puikus tapytojas animalistas. Pirmą kartą paveikslas buvo parodytas keliaujančioje parodoje 1889 m. Vėliau jį įsigijo Tretjakovo galerija. Kolekcininkas ištrynė Savickio parašą, nes, pasak jo, visa idėja priklauso Šiškinui. Paveikslas populiarus nuo XIX a., o sovietmečiu buvo taip plačiai kopijuojamas, kad tapo svarbia populiariosios kultūros dalimi.